L'art romantique est d'abord une révolte contre les règles classiques. Les romantiques se voient comme des modernes opposés à la tradition.

Ils se rebellent contre la règle des trois unités (

Texte A

), en particulier les unités de temps et de lieu, mais aussi contre la règle de la bienséance : le théâtre romantique veut montrer sur scène duels ( 

voir p. 203

), meurtres et suicides.

Ils contestent la distinction entre les genres et prônent le mélange : selon Victor Hugo, le drame « fond sous un même souffle le grotesque et le sublime, le terrible et le bouffon, la tragédie et la comédie » (Préface de Cromwell, 1827).

1. Hugo parle ici des unités de lieu et de temps.

Le mélange du tragique et du comique dans le drame permet de mêler les classes sociales au sein d'une même intrigue. Des personnages de valets, comme Ruy Blas, ou d'exilés, comme Hernani, acquièrent une véritable profondeur.

Le théâtre romantique a une portée politique et philosophique. Ainsi, faisant écho à la révolution avortée de 1830 en France, le drame d'Alfred de Musset, Lorenzaccio, met en scène la tentative, vouée à l'échec, d'abolir un pouvoir tyrannique ( 

voir Chapitre 8

).

Les écrivains romantiques se sentent inadaptés à la société de leur époque. Leurs héros sont des marginaux, mis à l'écart de la société à cause de leur passé (Hernani est banni), de leur condition sociale (Ruy Blas est un valet) ou de leur génie (Chatterton est un poète incompris). Dans d'autres genres, les romantiques montrent leur attrait pour l'ailleurs (l'orientalisme), un passé plus ancien (le Moyen Âge), ou encore l'étrange (la littérature fantastique).

Grâce à leurs héros, seuls contre tous, les dramaturges romantiques soulignent le rôle de l'individu dans l'évolution de l'histoire et de la société.

Le drame romantique cherche à représenter l'individu dans sa totalité, en cernant tout à la fois ses doutes, ses failles, ses ambitions, ses talents. Victor Hugo lie cela à la dualité intérieure de la femme et de l'homme dans le christianisme, à la fois mortels sur Terre et promis à une vie immortelle au Paradis, à la fois mauvais et bons. Cette dualité qui existe chez l'être humain, est également présente dans la nature, et c'est ce que le théâtre doit représenter ( 

Texte B

).

Cette dualité justifie le mélange des registres dans le drame, la présence mêlée du grotesque (source de l'horrible, mais aussi du bouffon) et du sublime (excès de beauté, pureté).

Schubert (1757-1828), compositeur autrichien, est le créateur du lied (chanson) romantique. Il compose celui‑ci à l'âge de dix‑sept ans, à partir d'un poème de Goethe : « Gretchen am Spinnrade » (« Marguerite au rouet ») est la plainte douloureuse d'une jeune femme abandonnée par son amant. La musique évoque le bruit du rouet, qui devient de plus en plus lancinant. Ce lied rappelle les chansons de toile médiévales : le Moyen Âge fut en effet pour les romantiques une source d'inspiration majeure.

Franz Schubert, Gretchen am Spinnrade, Op. 2, D 118 (1814)

Liszt (1811-1886), compositeur et pianiste hongrois, est le créateur du poème symphonique, un genre musical destiné à un orchestre symphonique et centré sur un sujet littéraire, philosophique ou descriptif. Pour Les Préludes il s'inspire d'abord d'un texte des Nouvelles Méditations poétique de Lamartine, mais l'œuvre reflétera finalement sa propre vie. Différents épisodes se succèdent, chargés d'émotions : l'ouverture présente la destinée mortelle de l'homme, puis le thème évoque le bonheur en amour. Ensuite, les tourments de la vie entraînent un retour à la nature. La fin de l'œuvre symbolise le combat pour la liberté.

Franz Liszt, Les Préludes, poème symphonique n°3, S. 97 (1854)

Wagner (1813-1883), compositeur, chef d'orchestre, directeur de théâtre, écrivain et critique musical allemand, transforme l'opéra en une œuvre d'art total où se mêlent poésie, théâtre, danse, arts plastiques et musique. Dans ses drames lyriques, l'instrument est traité à l'égal de la voix et l'orchestre n'est plus seulement un accompagnateur. En outre, de même que le drame romantique dépasse l'opposition classique entre comédie et tragédie, Wagner crée un nouveau système musical qui remet en question le système tonal : majeur / mineur.

Richard Wagner, Tristan et Isolde, WWV 90, Act II : « O sink hernieder, Nacht der Liebe » (1859)

Cette œuvre est née de l'improvisation au piano de Charles Gounod (1818-1893), compositeur français, sur le premier prélude du Clavier bien tempéré de Bach. Amoureux, Gounod décide ensuite d'ajouter à cette improvisation une mélodie chantée, en reprenant des vers de Lamartine, pour déclarer son amour. Mais la belle-mère de son amante, alarmée de l'affection de Gounod, lui proposa de changer les paroles pour un texte plus religieux : c'est ainsi que le morceau est devenu un « Ave maria ».

Charles Gounod, Ave Maria, CG 89a, « Méditation sur le premier prélude de Jean-Sébastien Bach » (1852)

Tchaïkovski (1840-1893) quitte sa profession d'avocat pour devenir pianiste, compositeur et chef d'orchestre. Il compose en particulier des œuvres symphoniques et des opéras. La musique de Casse‑noisettes s'inspire d'une fable d'Hoffmann, dont elle reflète l'atmosphère de songes et d'aventures enfantins.

Piotr Ilitch Tchaïkovski, Ballet de Casse‑noisette, Op. 71, « Danses de Casse‑noisette » (1892)

Compositeur, chef d'orchestre et critique musical, Berlioz (1803-1869) est le premier à avoir introduit dans une symphonie, le concept d'   idée fixe », un court thème qui réapparaît sous une forme différente dans chaque mouvement de la Symphonie Fantastique. L'orchestre aux dimensions monumentales devient un moyen d'expression sans précédent, traduisant tour à tour la rêverie, l'élégance, la beauté de la nature, ou encore l'angoisse des ténèbres, notamment avec les cris et les hurlements du cinquième mouvement.

Hector Berlioz, Épisodes de la vie d'artiste, « Symphonie fantastique », Op. 14 (1830)

Compositeur et pianiste allemand, Beethoven (1770-1827), alors qu'il devient progressivement sourd vers l'âge de trente ans, se consacre essentiellement à la composition, envisagée dès lors comme une mission.

• Ludwig van Beethoven, Concerto pour piano n°4 en Sol Majeur, Op. 58, II : Andante con moto (1806)
  Cette pièce est l'une de ses œuvres les plus dramatiques : le compositeur l'aurait écrite en pensant à un tableau représentant Orphée implorant les forces des ténèbres. Le chant suppliant du piano semble ainsi dialoguer avec la ligne mélodique impitoyable des instruments à cordes à l'unisson.


• Ludwig van Beethoven, Symphonie pastorale n°6 en Fa Majeur, Op. 68, I. « Éveil d'impressions joyeuses en arrivant à la campagne » (1808)
  Dans la Symphonie pastorale, la musique reflète les sensations qui naissent chez un homme sensible au contact avec la nature.

Chopin , pianiste et compositeur polonais, surnommé le « Mozart du romantisme », est la plus pure incarnation du romantisme en musique. Arrivé à Paris en 1831, il fréquente les artistes romantiques français et notamment l'écrivaine George Sand, avec laquelle il aura une liaison.

• Frédéric Chopin, Nocturne n°2 en Mi bémol Majeur, Op. 9 (1827)
  La mélodie très simple de cette nocturne véhicule un profond sentiment de mélancolie. La nuit est par ailleurs un thème d'inspiration favori des poètes romantiques.
  
  
• Frédéric Chopin, Étude n°12 en do mineur, Op. 10, « Révolutionnaire » (1835)
  Écrite à la suite de la prise de Varsovie par les Russes en 1831, cette étude dite « révolutionnaire », combative et puissante, rend hommage à l'héroïsme des combattants polonais. On peut mettre cette œuvre en parallèle avec le « romantisme engagé » dont on parle en littérature.


• Frédéric Chopin, Polonaise « Héroïque », Op. 53 (1842)
  Ce morceau est l'un des plus difficiles du répertoire pour piano solo : l'interprète qui parvient à surmonter la multitude d'épreuves techniques est un « héros ». Avec sa forme ternaire (ABA), cette polonaise communique un sentiment de victoire, de libération.